Qué revela ‘Roy Lichtenstein: Like New’, la primera gran retrospectiva del artista pop en Nueva York en más de tres décadas

“¿Qué piensas de Roy Lichtenstein?”. A principios de 2020, una curadora del Museo Whitney de Arte Estadounidense le planteó esa pregunta al artista Alex Da Corte, cuya vibrante obra abarca video, performance, pintura e instalaciones.

La pregunta distaba mucho de ser casual: el Whitney estaba explorando quién podría comisariar una retrospectiva de Lichtenstein, fallecido en 1997. Aunque sus reproducciones pintadas a mano de cómics y anuncios publicitarios de las décadas de 1950 y 1960 se ven por todas partes —en remeras y sellos postales tan a menudo como en paredes de museos—, la última retrospectiva de Lichtenstein en Nueva York fue hace unos 33 años. ¿Comprendería el público actual lo oportuno, divertido y novedoso que era entonces, y cuánto de su pensamiento perdura en la cultura contemporánea?

“Por supuesto, conocía la obra de Roy, estaba en todas partes del mundo”, dijo Da Corte, de 46 años, en una entrevista desde su estudio en el norte de Filadelfia. “Pero nunca había pensado en ella de cerca”.

En 2018, la Fundación Roy Lichtenstein había donado al Museo Whitney 400 obras del artista —aproximadamente la mitad de sus fondos— y, en 2022, Dorothy Lichtenstein, la viuda del artista, donó la que fuera su casa y estudio en Greenwich Village, que se ha convertido en la nueva sede del Programa de Estudios Independientes del Whitney. Una gran exposición, basada en esta generosidad, parecía lógica.

El resultado es Roy Lichtenstein: Like New. La muestra, que inaugura el domingo 11 de octubre, reúne una vasta selección de la obra de esta figura clave del arte pop, incluidos pintura, dibujo, collage, grabados, fotografías, escultura e incluso una película de tres canales, todo realizado entre principios de la década de 1940 y mediados de la década de 1990. Desde el inicio, el reto para el Whitney fue cómo montar una exposición de un artista tan conocido —quizá demasiado conocido— que conectara con el público actual.

“Recuerdo que Dorothy dijo: ‘No tienen que convertir esto en una retrospectiva tradicional. De hecho, probablemente sería mejor que no lo fuera’”, dijo David Breslin, quien inició la conversación con Da Corte antes de trasladarse al Museo Metropolitano de Arte como curador de arte moderno y contemporáneo.

Las propias instalaciones escultóricas y videos pospop de Da Corte recurren a la historia del arte estadounidense del siglo XX y a veces implican interpretar los papeles de los artistas con los que dialoga, ya sea Marcel Duchamp o Eminem. Se sumergió de lleno en todo lo relacionado con Lichtenstein, en colaboración con una curadora del Whitney, Meg Onli, de 42 años, organizadora de la Bienal del Whitney de 2024, cuyas exposiciones anteriores se han centrado en gran medida en la experiencia negra, con un interés especial en los nuevos medios.

“¿Qué? ¿No soy la primera persona en la que piensa cuando piensa en Roy Lichtenstein?”, bromeó Onli durante la entrevista conjunta.

Más allá del Pop Art

Pero esperan que sus perspectivas ofrezcan nuevas lecturas de la obra de Lichtenstein. Aunque incluye algunas de las pinturas más reconocibles, como Girl With Ball (1961) y Drowning Girl (1963), la muestra se aleja de una visión estrecha de su condición de artista pop, conocido sobre todo por recontextualizar imágenes de los medios de comunicación de masas y trasladar procesos baratos de impresión industrial —¡todos esos puntos Ben-Day!— a lienzos de arte elevado.

En cambio, Da Corte y Onli presentan una imagen de cómo también se inspiró en enfoques más conceptuales, incluido Fluxus, un movimiento antiarte de los años sesenta que favorecía técnicas de hágalo usted mismo y empleaba materiales baratos y reutilizables para crear arte espontáneo.

En su investigación, Da Corte se sintió particularmente fascinado por las entrevistas de Lichtenstein con otros artistas y curadores. “Al ver las palabras de Roy y las formas en que describía su obra, resultaba tan conceptual”, dijo.

Resultó que Lichtenstein era colega de Allan Kaprow, quien acuñó el término “happenings”, y él mismo participó en uno de ellos en 1963. “Enseñaron juntos en Rutgers, y Roy se relacionaba con la gente de Fluxus”, dijo Da Corte. “Pensé: ¿y si el marco del Pop ha sido en realidad un recurso limitante a la hora de comprender su obra?”

Los curadores también rastrean un complicado intercambio entre Lichtenstein y varios artistas posmodernos de la apropiación —la llamada Generación Pictures de las décadas de 1970 y 1980— que representaban regularmente obras de arte ya existentes como propias para cuestionar las ideas de originalidad, copia y autoría.

Lichtenstein se apropiaba de imágenes y era objeto de apropiación desde los primeros momentos de su carrera, dijo Onli, citando a artistas cuyas obras cuelgan junto a las propias pinturas de él. Elaine Sturtevant, por ejemplo, “copiaba la obra desde el momento en que él la hacía, y Lichtenstein le daba plantillas con las que trabajar. Y él también termina copiando su propia obra”.

La exposición incluirá una reconstrucción de la muestra debut de Lichtenstein en 1962 en la Galería Castelli: será la primera vez que aquella histórica exposición se reinstale en su totalidad, hasta el suelo de parqué y la iluminación que imita las luminarias originales. “Fue bastante difícil localizar todas las pinturas, incluida una de mis favoritas, Laughing Cat, que originalmente perteneció a Andy Warhol”, dijo Onli.

Una sala introductoria de la muestra destacará Flash Lab, un estudio experimental creado por Hoyt Sherman, profesor de la Universidad Estatal de Ohio, donde Lichtenstein fue estudiante en la década de 1940. En Flash Lab, los estudiantes se situaban en una habitación oscura; aparecía un destello de luz que iluminaba durante unos instantes una composición de naturaleza muerta. Luego se les pedía que reprodujeran la imagen de memoria, convirtiéndose, en cierto modo, en cámaras humanas. Lichtenstein, en entrevistas a lo largo de su vida, atribuyó a Sherman sus ideas sobre la percepción visual y su inclinación conceptual.

El curador como performer

Algunas de las pinturas de Lichtenstein sobre temas bélicos más celebradas de la muestra, tomadas de la serie de DC Comics All-American Men of War —Varoom! (1963) y As I Opened Fire (1964)—, evocan las explosiones de luz de Flash Lab, que Sherman desarrolló no solo para formar artistas, sino también para entrenar a pilotos de combate. Una galería incorporará un nuevo video de Da Corte en el que interpreta a Hoyt Sherman; su transformación de ocho horas implicó maquillaje protésico.

“Sentimos que sería una forma generosa de iniciar la exposición, de entrar en una especie de espacio mental psicodélico de Lichtenstein antes de recorrer toda su vida de imágenes”, dijo Da Corte.

Fue Onli quien instó a Da Corte a realizar el video. “Hay una posición interesante que Alex puede asumir como artista-curador”, dijo. “¿Por qué no aprovecharla?”. La perspectiva artística de Da Corte también entra en juego en otras partes de la muestra, incluida la recreación de importantes murales temporales que Lichtenstein realizó en distintos momentos de su carrera. Da Corte señaló la réplica que él y sus asistentes de estudio estaban haciendo de Girl in Window (1963) de Lichtenstein, instalada originalmente en la Feria Mundial de Nueva York. El proceso de rehacer la pieza —compuesta por acrílico sobre 10 paneles de madera contrachapada que, en conjunto, miden 6,10 metros por 4,88 metros— permitió a Da Corte comprender a Lichtenstein a un nivel más profundo, afirmó. “Tuve que trabajar de formas que no se correspondían con las elecciones estilísticas que normalmente haría, con los colores que normalmente usaría”, dijo Da Corte. “Me situó en el espacio del historiador o del archivista”.

También subrayó la naturaleza artesanal de la obra de Lichtenstein, sin importar la escala a la que trabajara. “La manera en que pintaba los puntos, están en relieve como el braille”, dijo Da Corte. “Uno empieza a entender que se trata de una persona profundamente involucrada con el tacto y con hacer cosas a mano, incluso mientras vive en un espacio lleno de iconos y símbolos”.

Onli señala que la aceptación de Lichtenstein de lo efímero como valor estético constituye un contrapunto importante a su condición actual de artista de primera categoría. (En un período de valores a la baja, los precios de las obras han disparado en los últimos dos años). “A Lichtenstein le interesaba la impermanencia. Estaba totalmente abierto a que esta obra fuera destruida”.

Lo primero que verán los visitantes de la muestra será una réplica de Greene Street Mural, de casi 29,3 metros de largo, exhibido en una muestra de seis semanas en 1983 en la Galería Castelli, después de la cual fue cubierto con placas de yeso y pintado encima. Ha sido rehecho por Colossal Media bajo la supervisión de la sucesión de Lichtenstein, y también será destruido al término de la muestra del Whitney.

Cuando el galerista Leo Castelli propuso por primera vez que Lichtenstein realizara la obra específica para el lugar, este se sintió intimidado. “No sé, Leo”, se le cita diciendo. “Es tan grande. Tendría que usar cada imagen que he pintado para llenarla”. Y, en efecto, la composición está llena de motivos que ya habían aparecido o aparecerían en el futuro en su obra: pinceladas, cuadernos de composición, queso suizo, una escultura de Brancusi y una pintura de Picasso, además de objetos domésticos banales.

“Es una retrospectiva por derecho propio: un resumen de su práctica visual a través de iconos”, dijo Da Corte, quien espera que los visitantes vean una comparación con enviar hoy una cadena de emojis por mensaje de texto.

El director del Whitney, Scott Rothkopf, considera poco común, dijo, la decisión de poner a un artista a cargo de “una figura tan conocida e importante, con un gasto tan elevado y valores de seguro tan altos”.

Pero la decisión, dijo Rothkopf, se tomó al reconocer que el museo necesitaba estar a la altura del momento. “El público del Whitney, en virtud de nuestros programas de admisión gratuita, se ha transformado radicalmente en los últimos tres años. Ahora es mucho más joven. Es mucho más diverso”, dijo Rothkopf. “No puedo dar por sentado que las personas que cruzan hoy nuestras puertas necesariamente compartan la opinión de que Roy Lichtenstein, Jasper Johns o Andy Warhol están entre los mejores artistas que han existido”.

Da Corte añadió, sobre él mismo y Onli: “Aquí estamos, personas de color que somos queer, que tenemos una visión diferente del mundo. Aunque no parezca que se trate de mí, apuesto a que puedo aprender algo de esto”.

Onli apuesta a que el público más joven y nativo digital del Whitney “comprenderá de manera inherente lo que hacía Lichtenstein”, dijo. “Siempre estaba pensando en qué hacemos con las imágenes que recibimos, cómo las internalizamos y luego las volvemos a sacar al mundo”.

Fuente: The New York Times