Anaïs Reno, la joven estrella del jazz neoyorquino que debuta en Buenos Aires: “Quiero plasmar la versión más auténtica de mí misma”

La cantante de jazz Anaïs Reno se presenta por primera vez en Buenos Aires el jueves 15 de octubre, con dos funciones a las 20 y a las 22:30 horas en Bebop Club, en donde compartirá escenario con un sexteto de músicos argentinos encabezado por el trompetista Mariano Loiácono.

A sus 22 años, Reno acumula una trayectoria que incluye presentaciones en escenarios como Birdland, el Carnegie Hall, el Dizzy’s Club y el Madison Square Garden, además de festivales internacionales como el Caramoor, el London Jazz Festival y el Edinburgh Jazz Festival. En 2022 reemplazó a Tierney Sutton durante una semana de funciones en Birdland, y este año recibió el Bistro Award como Vocalista de Jazz Sobresaliente.

Su carrera discográfica comenzó en 2021 con Lovesome Thing, un álbum dedicado a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn que alcanzó el puesto número 6 en las listas de jazz. En mayo de 2025 publicó su segundo trabajo de estudio, Lady of the Lavender Mist, editado por Club44 Records junto a músicos como Peter Bernstein, David Wong y Joe Farnsworth, y que incluye por primera vez letras escritas por ella misma.

En la siguiente entrevista, Anaïs Reno habla sobre el proceso de pasar de interpretar el repertorio de Ellington y Strayhorn a escribir sus propias canciones, el desafío de encontrar un lenguaje musical común con una banda que conoce por primera vez, y cómo entiende su identidad artística tras graduarse de SUNY Purchase.

—Empezaste a actuar muy joven y tu carrera discográfica comenzó cuando solo tenías 16 años Desde ese momento y hasta ahora ¿cómo cambió tu percepción como cantante de jazz?

—Cuando empecé a actuar y a grabar siendo adolescente, mi prioridad era convertirme en alguien a quien nadie pudiera percibir como otra cosa que no fuera una cantante de jazz. Pensaba que siempre me sentiría más realizada en los momentos en que se confirmara que había logrado ese objetivo. Con el paso de los años, tomé clases de interpretación como parte de mi especialidad en el instituto LaGuardia y, posteriormente, seguí dedicándome a la letra. Últimamente, las actuaciones más memorables que he vivido son aquellas en las que el público y los músicos se interesan principalmente por la historia de las canciones. El pianista se retira dinámicamente en el momento en que la letra de una balada necesita brillar, alguien del público se ríe ante una frase, el baterista construye el puente exactamente cuando el arco de la canción lo necesita; independientemente de la etiqueta de “cantante de jazz”, esto es lo que me hace recordar una actuación semanas después. Ahora me considero alguien a quien le encanta actuar y contar una historia, y el jazz resulta ser el medio a través del cual lo hago.

—Tu álbum debut, Lovesome Thing, estaba dedicado íntegramente a Duke Ellington y Billy Strayhorn. Cuatro años después, Lady of the Lavender Mist presenta una perspectiva mucho más personal, con letras propias ¿Qué descubriste sobre vos como artista en ese proceso?

—La formulación de la idea central de Lady of the Lavender Mist surgió de forma bastante orgánica. Escribí la letra de la canción que da título al álbum y, solo después de haber seleccionado los standars para la lista de canciones, me di cuenta de que había un tema que recorría todo el álbum, partiendo de esa letra. Ese fue uno de mis primeros proyectos creativos en los que mis experiencias personales se hicieron patentes, aunque de forma sutil, independientemente de mis intenciones al empezar. Por aquel entonces había empezado a incursionar en la composición de canciones completas, incluyendo melodía y armonía, y, tras componer unas cuantas, me di cuenta de que había otro tema que las unía. Desde que publiqué Lady of the Lavender Mist, he comenzado a componer un álbum totalmente original y a ampliar mi horizonte creativo más allá de lo que esperaba. Es el proyecto más desafiante en el que he trabajado nunca y estoy segura de que no existiría sin esa primera inclusión de mis letras en mi último álbum.

—En una entrevista comentaste que te habían dicho que eras demasiado joven para interpretar ciertas canciones con autenticidad. Dijiste que, con el tiempo, dejaste de permitir que esas opiniones te hicieran sentir inseguridad. Ahora que tenés poco más de veinte años, ¿crees que la edad sigue influyendo en la forma en que te perciben?

—Cuando pienso en mi decisión de cantar “Lush Life” a esa edad, me divierte y me enorgullece a la vez la audacia que tuve entonces. Sin duda, ahora soy más consciente de cómo cada canción que canto se relaciona con mi experiencia vital. Sigo recibiendo comentarios de que soy joven y tengo mucho tiempo para crecer, aunque sin duda hay más expectativas de superar diversos hitos lo antes posible. En medio de la presión y la ansiedad, gran parte de las cuales me las impongo yo misma, este año me he centrado, por encima de todo, en cultivar mi sonido y mi creatividad. Estoy trabajando para distanciarme mentalmente de lo que solía ser mi norma —ser la persona más joven de la sala— y aceptar la realidad de que ciertos conocimientos y el crecimiento creativo solo pueden llegar con el tiempo.

—Lady of the Lavender Mist partió de una composición de Duke Ellington que no tenía letra, y la escribiste vinculando la historia a un periodo difícil de tu vida. ¿Cómo fue tomar una pieza musical de Ellington y crear un mundo lírico completamente nuevo?

—La música de Duke Ellington evoca ese tipo de atmósferas que hacen que una persona quiera construir un mundo a su alrededor. Era consciente del riesgo creativo que asumía al añadir letra a una pieza musical que ya era perfecta, pero al hacerlo sentí una mayor cercanía con su obra. Quería que la letra fuera un aporte, en lugar de una redundancia, lo que supuso un reto a la hora de formular el mensaje.

—Tu nuevo álbum también revela una relación muy estrecha con las letras y las historias que hay detrás de las canciones Cuando elegís una canción, ¿qué es lo primero: la melodía, la letra, la historia o tu interpretación?

—Las palabras y el lenguaje son mi mayor pasión, así que, como cantante, me siento afortunada de tenerlas tan cerca. Las buenas letras suelen inspirarme por encima de todo, pero cada canción puede tener sus propios puntos fuertes. “When Lights Are Low” me entusiasmó porque la melodía es juguetona y brillantemente sencilla, lo que da al músico margen para experimentar. La letra no es especialmente sofisticada, pero encaja a la perfección con el tono de la canción y la melodía. Una canción como “Autumn Leaves”, junto con la versión francesa “Les Feuilles Mortes, me inspiró inicialmente por las diferencias de matices entre cada conjunto de letras, especialmente con la incorporación de la estrofa en francés. En definitiva, si mientras escucho una canción me encuentro imaginando diversas formas de interpretar una letra o un contorno melódico, independientemente de lo que me conmueva inicialmente, sé que la voy a cantar.

—Esta será tu primera actuación en Buenos Aires, y te reunirás con un grupo de músicos argentinos liderados por Mariano Loiácono con los que no has tocado antes. ¿Qué esperás descubrir en ese encuentro musical?

—Tras haber actuado en varios países fuera de Estados Unidos, he observado una gran variedad en las formas en que los músicos se relacionan entre sí y, por supuesto, en los estilos con los que tocan. Cuando canto con una banda nueva, suelo optar por música con la que me siento cómoda. Me hace especial ilusión empezar una nueva colaboración con la banda de Mariano y desarrollar nuestra propia forma de hablar este lenguaje musical entre nosotros.

—En 2026, fuiste galardonada con un Premio Bistro como Mejor vocalista de jazz. Al mismo tiempo, estás entrando en una nueva etapa tras graduarte en la universidad y lanzar tu segundo álbum de estudio. ¿Qué es lo que más te interesa explorar ahora, como cantante, como compositora y como artista?

—Explorar quién soy como artista de forma integral, en lugar de hacerlo según un ideal que me fijé cuando era adolescente. Me doy cuenta de que, en algunos aspectos, mis objetivos son exactamente los mismos que cuando era más joven, y en otros, son totalmente diferentes. Esto resulta a la vez abrumador y emocionante, ya que cada vez tengo más claro que, para mí, ser artista tiene que ver con el individuo. Se trata de despojarme de todo artificio y plasmar la versión más auténtica de mí misma.

*Además de sus shows del jueves, Anaïs Reno se sumará el lunes 19 de octubre a la Bebop Big Band, también dirigida por Loiácono.