Entrevista a Kane Parsons, director de ‘Backrooms’: “Nunca pensé que la película fuera de terror, aunque la vendieran así, su objetivo es diferente”

Con tan solo 20 años, Kane Parsons se ha convertido en uno de los grandes descubrimientos del cine de terror del año gracias a su película Backrooms, en la que adapta una serie de cortometrajes de YouTube que acumularon millones de visualizaciones y configuraron una mitología propia.

El director ha conseguido sorprender gracias a su frescura y originalidad y a una serie de planteamientos inéditos surgidos de su imaginación, los ‘backrooms’, espacios alternativos que, a modo de ‘scape rooms’, suponen un descenso a los infiernos de nuestra mente, donde habitan las peores pesadillas.

Parsons procede de una nueva generación de directores que han llegado para subvertir las reglas del juego dentro de la industria, que no manejan los códigos habituales, que proceden de internet y que utilizan sus propias herramientas para hacer cine.

“Me formé consumiendo principalmente proyectos cinematográficos en línea y me adentré en todo esto a través de una vía que fomenta una curiosidad real por el mundo en el que vivo físicamente, más allá de cómo podrías procesarlo mediante el arte”, cuenta el director. “Siempre intento encontrar una forma indirecta de procesar esas cosas fuera de cualquier medio específico y delimitado. En la vida nunca recibes un resumen al final que te diga qué hiciste bien y qué hiciste mal; esa falta de un final cerrado es sencillamente propia de estar vivo, y creo que convierte la ambigüedad en un tema ambiental en todo lo que hago”, dice sobre la naturaleza de su cine y, en especial, sobre Backrooms.

Conexión con la generación Z

En cuanto a la revolución de los nuevos cineastas que han acaparado las miradas este año y que han conectado con la generación Z, dando un vuelco a la industria, se muestra prudente. “Eso está todavía por determinarse. Todos quieren venderlo como una fórmula. Hasta ahora, cualquier capacidad que tenga para conectar con esas sensibilidades surge principalmente de la intuición: prejuicios sutiles programados en mi cerebro por haber crecido con internet. A veces puedo expresarlos retrospectivamente, pero a menudo las decisiones que provocan una respuesta de personas de mi edad, con trasfondos similares, son cosas de las que ni siquiera me doy cuenta de que estoy haciendo. Lo que diré es que revisar habitualmente la sección de comentarios de cualquier cosa que estés viendo —algo que hago yo y que hace mucha gente— probablemente desarrolla una mayor capacidad para predecir las repercusiones en redes sociales de una obra de arte, para bien o para mal. Así que puede haber un instinto de relaciones públicas más ‘preprogramado’ en los cerebros de los jóvenes simplemente porque han estado inmersos en esa cámara de eco mientras crecían. Pero depende de la persona, y yo todavía estoy resolviendo esa parte”.

Sobre que se relacione el fenómeno con Obsession, lo tiene claro. “No las describiría como películas similares. Ambas son de bajo presupuesto, pero nosotros tuvimos diez millones de dólares y ellos 750.000 dólares. Sí, entiendo, hasta cierto punto, por qué existe una narrativa vinculada entre dos arquetipos de cineastas de la generación Z que pasaron de YouTube al cine y realizan su trabajo y, casualmente, es el momento adecuado para que esa historia cobre fuerza. Creo que Obsession es una gran película: tiene esa ósmosis cultural que mencioné antes, una comprensión de las ‘microsensibilidades’ sutiles de las personas que se sienten un poco privadas de material original en las salas de cine. Se sintió como si realmente estuviera en la misma sintonía que las personas que crecieron a principios de los años 2000. Pero no he descubierto el único factor definitorio que las vincule”.

Las claves de ‘Backrooms’ según su director

Al director le gusta sintetizar la sensación de realidad, aunque sea algo extravagante y exagerado, pero cree que a través de los lugares oscuros se conecta con el espectador, porque el miedo es algo universal. “Backrooms es una una película muy centrada en la arquitectura, y creo que conectó con personas que han formado relaciones profundas, a menudo tácitas, con espacios que han habitado, como habitaciones de su infancia en las que no habían pensado en 40 años. He visto a mucha gente decir que hizo que su mente volviera a algún espacio por el que deambulaban. Así que el trabajo en YouTube fomentó esa manera de pensar”.

Parsons nunca tuvo en su cabeza delimitar al público por un rango de edad, no trató de prestar atención a la demografía. “Nunca pensé en la película dentro de un contexto de terror. Sabía que sería percibida y comercializada de esa manera, pero yo no la experimento así, porque el objetivo no es tanto asustar u horrorizar como provocar introspección: cuestionar ciertas relaciones entre las personas y el mundo exterior. Cada quien sacará de ella lo que saque, e indudablemente tiene sus momentos de susto. Pero los principios fundamentales ya existían; está basada en una lógica de ciencia ficción dura envuelta en una capa exterior incognoscible y misteriosa, con un núcleo nostálgico”, cuenta.

“En todo caso, funciona como una especie de dispositivo de viaje en el tiempo: una puerta que invita a volver a una época más simple y tangible de tu vida. Para alguien que ha llegado a algunos callejones sin salida, abre muchas posibilidades de regresar o de encontrar cosas que perdió hace mucho tiempo. Así que no creo que haya atraído a un público joven puramente por sus propios méritos; eso es en parte la forma en que internet ha jugado con la idea a lo largo de los años, pero sí parece llegar mucho más allá de eso. Esa es mi divagación”.

A Parsons no le gusta hablar de forma específica de qué va la película, pero sí que da algunas pistas: “Para mí es una manera de procesar las excusas que nos damos como partes individuales de los sistemas abstractos que construimos, cultural y socialmente. Muchas de esas ideas sistémicas más grandes están representadas a través del trabajo que Mary (Renate Reinsve) y Clark (Chiwetel Ejioford) hacen en la película: dónde están en sus vidas, los comerciales que realizan y lo que eso significa respecto a su posición económica en la cultura estadounidense de los años 90. Incluso al final, con el personaje de Mark Duplass, todos los personajes orbitan el mismo vacío, intentando producir una respuesta a partir de algo que esencialmente es una singularidad infinita: no vas a obtener una respuesta. Pero lo intentan, y cada uno encuentra formas de hacer las paces con ello o de lanzarse fuera de ello hacia una vida que sea productiva para ellos. Así que es una meditación sobre aquello que aplazamos y a lo que renunciamos frente a los sistemas que habitamos”.

El director asegura que realmente disfrutaba de lo que hacía en YouTube y cuando el proyecto Backrooms empezó a ganar impulso en 2022, se emocionó. Después se ha ido adaptando a esa sensación con el transcurso del éxito de la película, pero asegura sentirse muy centrado, muy zen, y que su idea es seguir haciendo películas.