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Se dice –y se sabe– que la música influye en la vida del ser humano de formas y modos excepcionales.
Es capaz de alterar nuestros estados de ánimo, así como de transformar la atmósfera y el entorno que nos circunda con solo dejarla vibrar.
El cine es uno de ellos.
En sus inicios éste era mudo (la era del cine silente inició en 1895 y culminó alrededor de 1929) y las secuencias que el espectador veía carecían de “emociones audibles”, es decir, ni se oían ni se apreciaban los diálogos, tampoco los sonidos que acompañaban a las escenas actorales.
La película silente era un escaparate de imágenes silenciosas, un muestrario de arcos narrativos mudos y, a veces, inconexos.
El advenimiento del sonido en las películas marcó un hito en el desarrollo visual y sonoro del arte cinematográfico: transfiguró las escenas de alegría, tristeza, tensión, dramatismo, misterio, introspección, terror, etc.
, para acentuar su intención y exacerbar el contorno natural y emocional de las secuencias.
Muchas de estas bandas sonoras están tan bien escritas –estructura, desarrollo temático, modulaciones, técnica orquestal– que es posible escucharlas en grabaciones sin ver la película.
He aquí unos ejemplos de varias películas con música memorable.
Tiburón (1975, Steven Spielberg, música de John Williams).
El genial John Williams crea y usa un leitmotiv inquietante, tenso, en que el piano, las cuerdas y percusiones rasgan el silencio oceánico.
Ésta fue, quizá, una de las primeras películas en la que percibí la fusión del sonido con la narrativa visual.
El siciliano (1987, Michael Cimino, música de David Mansfield), película basada en un texto de Mario Puzo.
La partitura original, compuesta por el notable guitarrista David Mansfield, recuerda lejanamente a Mahler y a Barber.
El tema inicial, conferido a las cuerdas, es un motivo melódico grave y trágico que luego se dulcifica, y con ello Mansfield logra una excelsa pieza orquestal.
El tema principal de Halloween (1978, John Carpenter, director y autor de la música) reposa en una espeluznante línea melódica en la extraña tonalidad de fa sostenido menor, seguida de una secuencia en el registro grave que le confiere un perturbador tono macabro.
Gladiador (2000, Ridley Scott, música de Hans Zimmer), pieza orquestal de temperamento arrollador y nominada al Oscar.
Al inicio de la película hay una secuencia larga que narra la batalla entre las huestes romanas y las hordas teutonas.
Aquí la música es un mosaico sonoro de dimensiones épicas en donde se encuentra lo más sublime de la banda sonora.
Un poco antes del final de la batalla la música desplaza a los actores y sus acciones para dar paso al protagonismo de la música en un contrapunto de sonido en primer plano e imágenes difusas en close up.
Otra del genial Ridley Scott: Blade Runner (1982, música de Vangelis).
Película de culto, distópica, adaptada de la novela de otro genio literario, Philip K.
Dick (“¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”, 1968), precursor de la ciencia ficción cyberpunk.
En las doce canciones que integran la cinta encontramos tanto elementos clásicos como música electrónica y New Age.
La música del griego Vangelis define el ambiente oscuro y deprimente de la cinta futurista.
Star Wars (1977, George Lucas, John Williams).
Pieza orquestal icónica en la que se trasluce la influencia de R.
Strauss, Korngold, Holst, Walton, Elgar y Stravinsky.
El espacio no da para más.
Quedan en el tintero numerosas piezas musicales cinematográficas y compositores de la talla de Ennio Morricone, Nino Rota, John Barry, Nicola Piovani, Henry Mancini, James Horner, Thomas Newman, Maurice Jarre, Justin Hurwitz, Philip Glass, Jóhann Jóhannsson, Max Richter, entre otros.
CodaDudley Moore y Nastassja Kinski hacen un guiño entrañable al cine sonoro en una escena de Unfaithfully Yours (1984, Howard Zieff.
Música de Bill Conti).
Moore, tocando desde el piano, musicaliza la escena en la que participa Kinski.