Alejandro González Iñárritu hizo la película más controvertida del año, pero ese era el objetivo: “Lo prefiero a una recepción tibia”

“Hemos confundido, desde mi punto de vista, la realidad con la verdad”, dijo el cineasta Alejandro G. Iñárritu la semana pasada, unos días antes del estreno de su nueva película, Digger.

Una sátira turbulenta sobre el cambio climático, los mandamases corporativos y la propaganda, protagonizada por Tom Cruise como un magnate petrolero impenitente y desmesurado, Digger no ofrece una claridad fácil. Conceptual y estilísticamente, la película es una gran apuesta, especialmente con un giro que sitúa deliberadamente la acción en algún punto entre la verdad y la realidad.

La actuación es estridente. “Todo es para llamar la atención, conseguir ‘me gusta’, incomodar, molestar: la cultura en la que vivimos”, dijo Iñárritu.

Las críticas han sido mayormente negativas (y la taquilla de estreno fue desastrosa), pero Iñárritu dijo sentirse cómodo con que la película polarice. «Prefiero eso a una recepción tibia», dijo en una reciente entrevista por video.

El guionista y director nacido en México, de 63 años, tuvo la idea de Digger después de filmar su drama invernal ganador del Oscar, El renacido, en 2015, y Digger ha estado gestándose desde 2017, con cuatro coguionistas a través de diversos altibajos de la industria y la producción. “Tres veces la película se vino abajo; perdí tres años de mi vida”, dijo Iñárritu.

Siguió regresando a ella, dijo, porque refleja algo urgente sobre el mundo tal como es ahora. “La película no es perfecta”, reconoció. Pero “me gusta correr riesgos”.

También habló, en un inglés con un ligero acento, sobre explorar locaciones en el Ártico, por qué eligió una metanarrativa para captar la historia y qué aportó Cruise —quien hizo que Iñárritu le leyera el guion en voz alta antes de comprometerse con el proyecto—.

“Me dejó atónito la presencia que tenía”, dijo Iñárritu sobre Cruise. Es “un artesano de las palabras”, algo especialmente evidente en una larga escena de monólogo. “Había 300 extras, y todos quedaron completamente absorbidos por su interpretación”.

Estos son extractos editados de la conversación.

—¿Cuál fue la chispa para esta película?

—Al final de El renacido, estábamos buscando desesperadamente algunas locaciones que se suponía que tenían condiciones [nevadas]. Terminamos en Ushuaia [en Argentina, la ciudad más austral del mundo] en verano, persiguiendo hielo. Porque perdimos el hielo en esas locaciones, algo que nunca había sucedido en la historia de la región. Así que ese fue el punto de partida: esta idea de los cambios que estaban ocurriendo, y de que lo que nos dicen al respecto no necesariamente proyecta la realidad. Incluso cuando nuestros cuerpos lo están sintiendo, se siembra la confusión. Entonces se trata de manipulación. Así es más o menos como han operado los gobiernos totalitarios desde el principio de los tiempos: no creas lo que ven tus propios ojos. Se trata de la codicia y el poder y la irresponsabilidad y la responsabilidad, y de cómo quienquiera que controlara la narrativa [dictaba] cuál debía ser la realidad, no cuál es. Originalmente, este guion se llamaba Bla, bla, bla. Conceptualmente, la película trataba sobre el arma más peligrosa que tenemos los seres humanos: este pequeño órgano llamado lengua. El lenguaje puede ser un puente hacia la realidad, pero también puede ser un arma para destruirla. Pensamos que un personaje que abrazara eso deliberadamente podría ser interesante: muy humano, muy absurdo, al mismo tiempo aterrador y, ojalá, divertido.

—¿Cómo evolucionó la sátira?

—Los primeros borradores eran muy diferentes. Abordaba las escenas de desastre en escenarios reales, locaciones reales. Era muy, muy caro: fui [a explorar locaciones] al Ártico dos veces con científicos. Y el guion no estaba listo. Estábamos estirando nuestra imaginación para lograr la sátira y el comentario. Pero mientras explorábamos, la ficción básicamente era perseguida por la realidad, y la realidad a veces incluso la superaba. Porque las cosas que imaginamos hace nueve años comenzaron a ocurrir. En ese momento, no había plataformas de hielo desprendiéndose. Y de repente sucedió. Groenlandia no estaba en la conversación; el metano no formaba parte del lenguaje habitual de los medios. Ahora, el metano es uno de los mayores monstruos de todos los tiempos. Llegó la pandemia. Cuando estábamos filmando, con los incendios en Los Ángeles, casi pierdo mi casa. Todos estábamos lidiando con varios acontecimientos; ha sido muy aterrador. Así que pensamos: un momento, ya no hay más margen para estirar. Ya no había espacio para la sátira. Así que el tono no es una sátira. La sensación era casi como escribir un documental sobre el futuro.

—¿Tuvo pesadillas sobre adónde lo llevaría esta película?

—Sí. [El cambio climático y el estado del mundo] es algo tan grande y tan complejo. Es incómodo; nos paraliza. Para bien o para mal, mi única manera de ver esto era ponerlo en el centro [de la película], y que estas personas [los personajes] cuestionaran cómo abordar esto. En el teatro, podemos entendernos a nosotros mismos, hacer el espejo. Esa es una tradición en América Latina, desde Quijote hasta [Ernesto] Sabato. También es teatro brechtiano, cuestionar y provocar preguntas. Que tenga éxito o no depende de lo que la gente vea o perciba, pero ese fue al menos mi intento de abrir el proceso. Porque todos estamos juntos en esta obra.

—¿Le preocupa que la gente no la entienda?

—Creo que definitivamente es una película poco común. Es una película provocadora. Ese es el papel de una película para mí: empecemos la conversación. Mi gusto personal son las películas que intentan decirme algo de una manera diferente. Hay personas que quieren más certeza en la narración, y eso también está bien. Esto no es como un helado. Así que sí, esperábamos eso, para ser sinceros.

—Tom ha dicho que ha sido admirador de su trabajo durante mucho tiempo. ¿Cómo se conocieron por primera vez?

—Fue muy generoso cuando hice mi primera película, Amores Perros [2001]. La estaba proyectando y la gente decía: Tom Cruise está promocionando tu película. Yo dije: guau. Pero nunca nos conocimos hasta 2011. Fue súper amable, y conocía cada corte y ángulo de cada toma de mis películas, más que yo. En Birdman, jugó con la historia de Michael Keaton como Batman: lo persigue una figura enmascarada y alada. Al elegir a Tom para este papel, ¿está pensando en lo que el público podría aportar a su comprensión de él? Necesitaba a alguien a quien no puedas dejar de mirar. Y creo que él tiene ese poder. Es el antihéroe. Lo llamo una catástrofe adorable porque, incluso cuando hace cosas despreciables, es difícil dejar de mirarlo. Representa un arquetipo de la humanidad. Representa que el poder es algo a lo que te vuelves adicto, y tiene tanto miedo de perder el poder que el [afán de] lucro será el problema de todos nosotros. Así es como creo que está funcionando el mundo ahora.

—La película recuerda a otras historias distópicas como «Brazil» y «Dr. Strangelove». ¿Cuáles fueron sus referencias?

—Estábamos tratando de encontrar el tono, lo cual fue muy difícil. En los ensayos, muestro His Girl Friday, con Cary Grant hablando como loco. Me fascinaba cómo realmente manejaba el diálogo a ritmo acelerado, que es muy musical. Así que, para que [el elenco] entendiera que la velocidad no significa que tengas que perder el subtexto o el poder de la palabra. Pero es algo que necesitas practicar. Visualmente, hay un pintor [danés], Vilhelm Hammershoi: todas las paletas que usaba están tan desaturadas, solo esos poquísimos elementos de color que realmente crean una especie de cosa onírica.

—Esta película tiene una visión del mundo bastante oscura. ¿Representa su propia perspectiva? ¿Es optimista?

—Esta película es una película de desastres, pero el desastre somos nosotros. El mundo es tan hermoso y tan increíble. Hay tantos recursos, y el equilibrio del ecosistema es sencillamente increíblemente hermoso. Si podemos reunirnos en la misma habitación, en la misma realidad, y entender dónde estamos en la narrativa, creo que hay esperanza.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Sinna Nasseri / The New York Times]