Los estudiantes de Central Saint Martins están dando forma al futuro de la imagen de la moda Mas Cipolleti

como Centro de San Martín‘ Maestría en Comunicaciones de Moda El ciclo celebra una década de talento con su primera edición, a la que sigue una exposición pública en Granary Square, Repensar la imagen de la modaUn hilo claro emerge entre los graduados de este año. “Los creadores de imágenes de moda en nuestro programa de maestría a menudo tratan la palabra ‘moda’ de manera un tanto vaga. Nosotros lo alentamos”, dice el líder del curso, Roger Tredri. “Para el décimo aniversario de la sesión, hemos recopilado lo mejor del trabajo del año en nuestra propia revista, con el subtítulo ‘Cómo nos sentimos ahora’. Refleja el poder y la inmediatez de la fotografía para transmitir emociones”.

A lo largo de sus páginas, seis artistas exploran los misterios de la identidad contemporánea con una intimidad sorprendente. “Aunque el estilo es muy diferente y se crea en lugares de todo el mundo, cada proyecto está muy arraigado en la experiencia personal de cada creador de imágenes”, añade el líder del curso de Fotografía de Moda. Adam Murray.

A continuación, obtenga más información sobre los proyectos creados por estos fotógrafos, diseñadores y directores de arte.

Para Youngji Ho, capturar la belleza de la intimidad es una forma de ser testigo honesto de sus sentimientos y de su lugar en evolución en el mundo. No hay ningún sentido de celebración en su estilo: el fotógrafo chino está impulsado por el deseo de preservar la verdad de los momentos que nunca quiere olvidar.

Trabajando con cámaras de formato 120 y 135, entrelaza tomas espontáneas y autorretratos cuidadosamente escenificados, colocándose a menudo a sí mismo y a un amigo en el mismo encuadre. “Estas imágenes son menos recuerdos y más un acto de contemplación intencional: poner nuestra relación en escena, reiterarla, confrontarla, escudriñarla y abrazarla con ternura”, explica.

A través de su trabajo, explora las relaciones románticas como una forma fluida, abrazando la flexibilidad y vulnerabilidad que acompañan a la intimidad. Sus imágenes se convierten en una huella del tiempo mismo. “Cada vez que presiono el botón del obturador, siento que le estoy diciendo a mi yo actual: ‘Incluso si todo esto cambiara, ya está ahí en este momento’”. Al reconocer estos altibajos emocionales, restaura su legitimidad: incluso si este sentimiento se desvanece mañana, era real.

Jordi Nasa crea imágenes como los músicos crean sonido: a través del ritmo, la intuición y un lenguaje que habla sin palabras. Director de arte y diseñador de Atlanta, que trabaja entre las bellas artes y la fotografía de moda, trata la ropa y la composición como herramientas para contar historias.

El trabajo de la NASA recurre a los escritos de Frantz Fanon, deconstruyendo los mecanismos de la mirada blanca y su visión fracturada de la identidad negra en Estados Unidos. A través de sus movimientos entre Huntsville, Atlanta y Nueva York, reconstruyen visualmente estas ideas, recuperando la mirada negra a través de temas de la diáspora, el ego, la dualidad, el terreno cambiante del yo y la negociación continua de pertenencia.

La NASA regresa a Atlanta con una perspectiva renovada. “Atalanta todavía tiene algo que decir”, afirman. “Y como ahora vivo en Europa, me di cuenta de que había una oportunidad de mostrar una representación más diversa e íntima a la que la gente tal vez no hubiera estado expuesta”. Fotografiado por Courtney Eyman y Xavier Thompson en su ciudad natal, el resultado es un retrato de Atlanta moldeado por el amor y la memoria, capturando a su gente en un estado de pura autenticidad.

Bakur Wang es el antropólogo por excelencia del street style. El fotógrafo nacido en Shanghai navega por el paisaje visual con un ojo documental, tratando la cámara como una herramienta para cerrar la brecha entre el curador y lo sincero. “Me encanta observar cómo se comporta la gente en situaciones naturales e inexplicables”, dice. “Estos momentos me inspiran a aportar un sentido de autenticidad y contemporaneidad a mi trabajo”.

La práctica de Wang opera en ese difícil espacio donde la realidad y el realismo se cruzan. Rechaza la idea de que las imágenes de moda deban ser demasiado pulidas y, en cambio, se basan en una “visión inconsciente” de la vida cotidiana. Podría ser la postura de un pasajero en el metro o la quietud de un extraño en el parque.

Para su último proyecto, Wang dirigió esta lente de observación hacia la diversa comunidad juvenil de Hackney, un área que ha convertido en su hogar desde septiembre. Considerada como una de las arterias culturales más vibrantes de Londres, buscó documentar el sentido tangible de comunidad que late en sus calles, desde los espacios verdes de London Fields y Victoria Park hasta el dinamismo de Hackney Wick y la vida tranquila a lo largo del río Lea.

Además de sus tareas de cámara, Wang se centró en conectarse con personas que encarnan el espíritu y la energía del vecindario. Este enfoque fusiona los momentos cotidianos que observó en su investigación con sus fotografías, capturando una vívida sensación de conexión entre estos jóvenes y su entorno. “Lo que me llamó la atención fue el ambiente”, dice. “También puedes ver las ‘criaturas’ de la zona que aparecen en mis fotogramas (pajaritos y gatos salvajes) que juntos conforman la diversa y vibrante escena cultural y artística de Hackney”.

Stella Nunes admite que es un poco voyeur. Nacida en São Paulo, Brasil, la diseñadora de moda y directora de arte creció en una bruma sensual de trementina y humo de cigarrillo en el estudio de pintura de su padre, y aprendió desde temprana edad a mirar el mundo antes de aprender a vestirse en él. “Mi proceso consiste en combinar referencias intelectuales del arte con experiencias sensoriales del mundo”, dice Nunes. “Las texturas, los colores, los sonidos y los sentimientos a menudo se convierten para mí en el comienzo de una imagen”.

Su último proyecto, titulado Risco, es una rebelión visual contra las caricaturas tropicales que a menudo se pegan a América Latina. A Nunes le interesa la realidad concreta de São Paulo, una ciudad que compara con la densidad gris de Londres o Nueva York. Para llegar allí, abrió su archivo personal: una colección de ruedas cromadas, insignias de pasajeros rebajadas y puertas de garaje que catalogaba obsesivamente desde 2019.

Toma estos códigos de exageración y espectáculo masculino (junto con la fantasía inspirada en el carnaval) y los reduce a escala. Es un tipo específico de alquimia. Un automóvil que combina vetas de pintura con quietud que te hace sentir una feminidad íntima y fuerte. “El proyecto también se convirtió en un reflejo de la existencia de las mujeres y quizás de la mía propia”, dice. “Las imágenes se encuentran en algún lugar triste y tranquilo. Hay una tranquila interacción entre vívidas referencias culturales y cuerpos distantes que forman el tono que siempre estoy buscando”.

¿A dónde pertenece uno cuando su historia existe en dos lugares? Éste es el territorio estético reivindicado por Ken Harris. Nacido en Udine, Italia, de padres nigerianos y ahora mudándose entre Londres y Milán, este fotógrafo autodidacta crea imágenes que parecen silenciosas e intensamente cargadas.

Gran parte del trabajo reciente de Harris trata sobre la migración como movimiento y condición, un regreso a esa zona liminal donde el cuerpo se mueve a través del tiempo y el espacio, sin estar seguro de su posición. “Conozco el sentimiento que uno lleva en su pasado mientras se inclina hacia otro futuro”, dice. “Este ritmo fue moldeado por la llegada de mi padre a Italia en la década de 1990, y continúa resonando a través de las fronteras hoy en día, ya que la gente vive dondequiera que tenga que empezar de nuevo”.

Es esta sensibilidad la que sustenta Project 900 (Novecento), su gran proyecto en Central Saint Martins, filmado entre Milán y el terreno volcánico de Stromboli. La serie analiza la identidad italiana a través de la lente del cuerpo negro, no como un forastero que mira hacia adentro, sino como un autor que ocupa un espacio dentro de la memoria visual del país. Controladas pero cargadas de emociones, las imágenes de 900 son lo que él llama “tranquilas pero intencionales”, despojadas de lo esencial y fijadas en la pose, el espacio negativo y el leve zumbido de la tensión. “Los considero tanto documentos como propuestas”, dice. “[They’re] Arraigado en la realidad pero en diálogo con la imaginación y la memoria.

¿Las pantallas nos inspiran o nos repelen? Antes de unirse a Central Saint Martins, Laurene Hochstätter había idealizado su nueva vida en Londres, impulsada por un sueño de Inglaterra moldeado por la cultura visual. “La vida de cuero que imaginaba no sucedió”, dice. Ante la disonancia entre imaginación y experiencia, recurrió a la fotografía, otra pantalla, para explorar su mundo interior y sus inseguridades personales.

La fotógrafa suiza recrea partes de su propia vida: calles familiares de Londres, interiores íntimos y detalles esencialmente ingleses, a menudo junto a sus amigos. Al suspender estos momentos, como si estuvieran en un estado de desintegración, Hochstadter crea un espacio intermedio donde el deseo de escapar de la realidad a través de imágenes finalmente se convierte en una trampa. “Las pantallas no sólo reflejan, sino que construyen. Superponen nuevos mundos encima del tuyo, desdibujando los límites hasta que ambos colapsan”.

Su obra cuestiona la naturaleza de la mirada: obsesiva, voyeurista, construida a través de pantallas. Estas verdades falsas, vacías y tranquilizadoras nos empujan a fantasear con una vida mejor, mientras nos dejan desprevenidos para el aislamiento y la incertidumbre del presente.